Kunst + Design. Wit, humor en WOW

Op een paar koude novemberavonden in New York kwamen duizenden welgestelde kunstkenners, verzamelaars, galeriehouders (en hun personeel), interieurontwerpers en anderen die net van een geweldige cocktailparty en verbluffende kunstvoorwerpen houden samen in het Park Avenue Armory aan OMG, OOO en AhAha over originele werken van grote schoonheid (en geweldige prijzen) om geld in te zamelen voor goede doelen (waaronder de Dia Art Foundation en Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique en InCollect namen deel als evenementensponsors.

Zesenvijftig galeriehouders uit 11 landen (waaronder de VS, Europa, het VK, Duitsland, België, Frankrijk, Denemarken, Italië, Monaco, Nederland, Zuid-Afrika, Spanje en Zweden) van 30 internationale galerieën - presenteerden een globale aanpak naar het modernisme. De Salon toonde (voor aankoop en bewondering) historische, moderne en eigentijdse meubels, originele ontwerpen en laat 19e - 20e eeuwse kunst.

 Waarde van de creatieve economie

In 2015 bedroeg de waarde van kunst- en cultuurproductie in de VS $ 763.6 miljard, ofwel 4.2 procent van het bruto binnenlands product. De kunsten droegen meer bij aan de nationale economie dan de bouw, mijnbouw, verzekeringen, accommodatie en de horeca.

• Creatieve kunstenaars zijn een economische troef in de VS en dankzij de kunstenaars hadden de VS in 2015 een handelsoverschot van $ 20 miljard in kunst en culturele goederen (Amerika exporteerde $ 63.6 miljard en importeerde $ 42.6 miljard aan kunst en cultuur).

 

• Consumenten van de creatieve economie geven meer dan $ 102.5 miljard uit aan kunst, inclusief goederen en diensten, toegangskaarten, eten, accommodatie en geschenken (2017).

 

• De kunst- en culturele sector biedt een groot aantal banen (4.9 miljoen in 2015), goed voor 3 procent van alle banen in de VS, die gezamenlijk 372 miljard dollar betaalden.

Staten bloeien op door de kunsten

Van de staten is de kunsten goed voor het grootste deel van de economie van Washington, 7.9 procent of $ 35.6 miljard. De kunsteconomie van Californië is afhankelijk van de film- en televisie-industrie en levert met 174.6 miljard dollar (7 procent) het meeste geld op van alle staten.

New York staat op de tweede plaats in beide categorieën, en de kunsten brengen $ 114.1 miljard (7.8 procent) op voor de economie. De 462,584 kunstwerkers van de staat verdienden gezamenlijk $ 46.7 miljard (2015).

Delaware vertrouwt het minst op kunst, die slechts 1.3 procent van de staatseconomie uitmaakt, oftewel $ 900 miljoen.

Het evenement: de Salon Art + Design Show

Aangezien veel kunstenaars hun nieuwste werken op dit evenement presenteren, staat het bovenaan de 'to do'-lijst van de kunstwereld. Ik had graag zowat elk stuk dat werd tentoongesteld willen bemachtigen, maar tijd, ruimte en beperkte middelen verbieden deze activiteit; ik kan echter een "paar van mijn favoriete dingen" aanbevelen.

Samengestelde selectie

1. Molly Hatch. Todd Merrill & Associates Studio. New York

Molly Hatch brengt de WOW naar hedendaagse kunst. Ze heeft wat een cliché was (aan de muur opgehangen schalen populair in de jaren 1940) getransformeerd en het concept omgezet in kunstwerken om te verzamelen die passen bij de duizendjarige levensstijl (mobiel, ongebonden en veranderlijk).

Hangende borden waren een traditionele manier om decoratief serviesgoed weer te geven en maakten deel uit van vele culturen, van Europa tot Azië. Eeuwen geleden waren uitgebreide displays van borden in een huis een teken van rijkdom en hoge sociale status.

Tegenwoordig ontwerpt Hatch haar borden om aan de muur te hangen, zodat ze kunnen worden bekeken en bewonderd. Haar te grote en door kleuren gedreven smaak moedigt kijkers aan om te heroverwegen wat nieuw is en wat nu is; wat gewoon was, is nu buitengewoon.

Hatch werd geboren in 1978. Haar moeder was schilder en haar vader een biologische melkveehouder. Ze studeerde tekenen en keramiek en behaalde haar BFA aan de Museumschool in Boston, MA. Na haar studie werkte ze met pottenbakker Miranda Thomas in Vermont en keramiekresidenties gingen door in de VS en West-Indië. Haar MFA in keramiek is van de University of Colorado, Boulder. In 2009 ontving ze de Arts / Industry residentie in Pottery in het John Michael Kohler Arts Center in Wisconsin.

Hatch werkt momenteel vanuit haar thuisstudio in Northampton, MA. Naast keramiek is ze schrijver, kunstenaar-ontwerper en maakt ze stofpatronen, meubels, sieraden, prenten, pen- en inkttekeningen en schilderijen. Ze is geïnspireerd door historische trends in stof, lettertype, keramiek en meubels en erkent een eigentijdse levensstijl met knipogen naar hiphop, indie songteksten, sms-berichten en verzamelde colloquia.

2. Hubertus Le Gall. Galerij van de eenentwintigste eeuw

 

De Franse ontwerper Hubert Le Gall werd geboren in Lyon in 1961. Hij studeerde management aan de universiteit en verhuisde na zijn afstuderen naar Parijs (1983). In 1988 begon hij met schilderen en beeldhouwen, waarbij hij meubelstukken ontwierp die grensverleggend waren en het poëtische en fantasie met het functionele in verband brachten.

Hij laat zich inspireren door wat surrealistisch is, maar met gefluister (en geschreeuw) naar Griekse en Romeinse beschavingen, Franse 18e eeuw, Empire, Art Nouveau en Art Deco periodes. Hij is ook geïnspireerd door Salvador Dali, Jean Cocteau, de surrealisten en Max Ernst.

Zijn werk kreeg internationaal applaus in 1995 toen hij werd ontdekt en gepromoot door galeriehouder Elisabeth Delacarte. Zijn eerste expositie was in de Parijse Galerie Avant-Scene en de tentoongestelde werken (inclusief madeliefjestafels en bloemencommodes) worden gekoesterd als zijn kenmerkende stukken.

3. Rijke Mnisi. Zuid-Afrika

 

De in Zuid-Afrika geboren Rich Mnisi startte zijn onderneming in 2014. Hij wordt genoteerd als leider in de wetenschap van mode en wordt erkend als de Africa Fashion International Young Designer of the Year (2014).

De verleidelijke leren chaise van Mnisi neemt de vorm aan van Nwa-Mulamula's (The Guardian) die de aanwezigheid van zijn overgrootmoeder vertegenwoordigt. Het is haar bestaan ​​en haar leringen die voor altijd blijven bestaan ​​door middel van verhalen, generatie na generatie. De kruk, in de vorm van een oog met gouden plassen, ”… stelt haar tranen voor, die nooit tevergeefs waren. Zonder haar pijn en haar ervaringen zou ik niet bestaan. Ik zou niet de persoon kunnen zijn die ik nu ben ”(Rich Mnisi).

De sensuele vormen zijn tijdloos en hun essentie is uniek Afrikaans en tegelijkertijd universeel fascinerend.

4. Reinaldo Sanguino. Future Perfect Gallery. New Yorkse stad.

 

Reinaldo Sanguino werd geboren in Venezuela en werkt momenteel in New York City. Zijn kunst en keramische stukken zijn een eerbetoon aan de levendigheid van zijn omgeving en elk uniek stuk gebruikt het medium klei als structuur en als canvas.

Sanguino studeerde af aan de School of Visual Arts Cristobal Rojas in Caracas, Venezuela. Hij ontwikkelde zijn techniek op basis van zijn interesse in Meissen-porselein en het belang ervan in de Europese geschiedenis. Hij wordt geïnspireerd en beïnvloed door schilderkunst in graffitistijl en zijn werk trekt de aandacht door de levendige kleuren, texturen en kneedbare materialen.

In 2007 was hij genomineerd voor de Louis Comfort Tiffany Biennial Award en een van de kunstenaars die deelnamen aan de El Museo Del Barrio 5e editie 2007-2008 Biënnale, "the (S) Files" in New York City.

Sanguino's werken waren te zien in de Sultan Gallery, als onderdeel van het Dean Project New York; het Museum of Arts & Design, New York; het Museum of Fine Arts, Houston, Texas; het MINT Museum in Charlotte, North Carolina en het Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, Minnesota. Hij maakte zijn Design Miami / debuut met The Future Perfect (2017).

5. Pamela Sabroso en Alison Siegel. Heller Gallery. New York

Pamela Sabroso behaalde haar BFA in Crafts and Material Studies aan de Virginia Commonwealth University (2007) en Alison Siegel ontving haar BA in Fine Arts aan de Alfred University (2009). Momenteel wonen en werken ze in Brooklyn, New York.

Ze begonnen samen te werken in 2014 en ontdekten dat hun ideeën naar voren kwamen en versmelten door tekeningen, discussies en de lichamelijkheid van nauw samenwerken. Samen zijn ze avontuurlijk en brengen ze een nieuwe frisse en unieke kwaliteit aan elk object dat ze maken. De uiteindelijke werken zijn leuk, slim, geanimeerd, onconventioneel en vertederend. Ze werken zeker in de 21e eeuw en delen een creatieve vrijheid die zijn wortels heeft in de vroege Amerikaanse Studio Glass-beweging.

Het arbeidsintensieve werk begint met het maken van onderdelen en wasvormen voor glasblazen en strekt zich uit tot glasblazen. Sabroso, die haar werk met Siegel bespreekt, “... om creatief te zijn, moet je jezelf kwetsbaar maken. Als je eerlijk bent over wie je bent, onthul je een uniek en vreemd perspectief. Onze gecombineerde creaties zijn Stranger Together. "

6. Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg Schone Kunsten. New York

Wright werd geboren in Richland Center, Wisconsin (1867). Tijdens zijn 70-jarige carrière als architect creëerde Wright meer dan 1100 ontwerpen. Hoewel hij naar de Universiteit van Wisconsin (1885) ging en civiele techniek studeerde, werd hij al snel ontevreden over dit vakgebied. Toen hij voor Joseph Silsbee werkte aan de bouw van de Unity Chapel, realiseerde hij zich zijn passie voor architectuur, dus verhuisde hij naar Chicago en ging in de leer bij het architectenbureau Adler en Sullivan, waar hij rechtstreeks samenwerkte met Louis Sullivan (1893).

Hij verhuisde vervolgens naar Oak Park, Illinois en begon te werken vanuit zijn thuisstudio, waar hij een ontwerpsysteem ontwikkelde dat was ontwikkeld uit rastereenheden met een focus op natuurlijke materialen dat bekend werd als de Prairie School of Architecture.

In de jaren twintig en dertig bracht hij zijn tijd door met lesgeven en schrijven. In 1920 begon hij te werken aan Fallingwater, zijn meest gevierde woonontwerp. In de jaren '1930 - '1935 concentreerde hij zich op Usonische ontwerpen die zijn geloof in democratische architectuur weerspiegelden en woonopties uit de middenklasse aanboden.

In 1943 ontwierp hij het Solomon R. Guggenheim Museum in NYC. Het museum werd geopend in 1959, zes maanden nadat hij stierf en wordt gezien als zijn belangrijkste werk.

De Bernard Goldberg Fine Arts Gallery in New York werd in 1998 opgericht door een advocaat in New York. Tegenwoordig is de galerie gespecialiseerd in Amerikaanse kunst (1900-1950), waaronder schilderijen van Ashcan, Modernist, Urban Realist, Social Realist en Regionalist, beeldhouwkunst en werken op papier.

De Hoi Polloi die het evenement bijwonen

 

Ga op zoek naar de Salon in november 2019. Reserveer vroeg… dit is een fantastisch evenement voor iedereen die de werelden van kunst en design fascinerend vindt.

© Dr. Elinor Garely. Dit auteursrechtelijk beschermde artikel, inclusief foto's, mag niet worden gereproduceerd zonder schriftelijke toestemming van de auteur.